Allan Kaprow. Happening

Allan Kaprow nació en Atlantic City, New Jersey. Empezó como pintor interesado en el expresionismo abstracto (Pollock), el collage, el dada... En 1947-1948, estando en la escuela de pintura de Hans Hofmann, comenzó a desarrollar lo que se ha denominado una "pintura expresiva", basada en paisajes y figuras humanas reales, y que una década después entró en la esfera mundial con el nombre de happenings. Kaprow en los años cincuenta se dedicó a estudios de composición musical con John Cage en Manhattan. Bajo la influencia de Cage creó obras ambientales en las que requería la participación de la audiencia. Hasta hace muy poco Allan Kaprow enseñaba en el Departamento de Artes Visuales de la Universidad de california en San Diego.

Kaprow, quien primero acuñó el término "happening" como forma artística, murió a los 78 años en la localidad de Encinitas, cerca de San Diego (California). En 1959 en la galería Reuben de Nueva York, Allan Kaprow presentó el evento llamado “18 Happenings in 6 parts”, con el que bautizaría para el mundo una nueva forma de expresión artística.

El Happening tiene como objetivo llevar el arte a un público más amplio, siendo mucho más importante el proceso que el resultado. Como el mismo Kaprow señala, es una mezcla de cine mudo, actos circenses, arte dada, representaciones teatrales y danza que se presenta ante una audiencia que, a menudo, debe interactuar. Los Happenings de Kaprow se presentaban en predios industriales y fábricas, detrás de vidrieras y en otros escenarios bastante disímiles.

Por otro lado, Kaprow junto a John Cage, Yoko Ono, George Maciunas, entre otros, fue uno de los fundadores del movimiento internacional FLUXUS que incorporó el Happening como medio fundamental de expresión. Este movimiento tuvo y tiene aún una gran influencia en el arte mundial. 

"Paris is burning". Jennie Livingston

Paris is burning, es un video documental de Jennie Livingston, realizado en 1991 donde se retrata a los ballrooms a finales de los 80 en nueva york, donde la comunidad negra y latina integrada por homosexuales, travestis y transexuales se reunían para competir en una pasarela en la que se articulaban una gran variedad de representaciones performativas. Por otra parte, existía un gran sentimiento de pertenencia al grupo en la que cada participante representaba a una casa de la ciudad.

En el film se retrata esta comunidad de minoría, discriminada por la sociedad por prejuicios raciales, sexuales y económicos. Adolescentes y jóvenes que, en su mayoría, han abandonado sus hogares y roto los lazos familiares o que provienen de familias disfuncionales. Integrándose en esta sub-realidad, consiguen autoestima, ya que se crean comunidades muy fuertes, prácticamente familiares, donde son respetados, valorados y animados fuera de una sociedad que no lo hace. 

Los lugares de reunión funcionan como "casas", y en cada "casa" existe una madre, el mas respetado de la comunidad, donde ofrece su protección a los mas perjudicados. En estas casas, es donde se realiza todo el espectáculo, desfiles y bailes performativos, donde cada uno de ellos se "disfraza", para parecerse a aquellas personas que tanto admiran, generalmente, estrellas de Hollywood, grandes cantantes, famosos... aquellas personas que creen más afortunadas, por tener la fama y las mas grandes riquezas.

Es como un intento de ocultar su identidad, para sentirse aquellas personas a las que están representado, y por tanto gozar de todo lo que ellos y ellas gozan, admiración y prestigio, ganar fama dentro de la comunidad, ganar premios, para algún dia fundar sus propias casas y ejercer de madre, y ser la mas prestigiosa de la ciudad.

En mi opinión, me sorprende la manera de pensar en general de estas personas, ya que sueñan y valoran la calidad de sus vidas por las riquezas, y la fama, algo totalmente material, consumista y postizo. Es contraproducente porque quieren ser como la sociedad que les rechaza, ocultando sus identidades sexuales reales. En cierta medida, este hecho hace que siga habiendo discriminación sexual, y por tanto creo que debería ser mas importante cambiar esa realidad imperante en la sociedad, antes que ocultarse en ella, porque entonces no desaparece el problema, si no que, contrariamente, reafirma ese pensamiento social.

Yves Klein. Anthropométries

Las antropometrías de Klein, son una serie de obras, que realiza con la colaboración de diferentes mujeres. Es un acto-performance donde, bajo su dirección, las modelos totalmente desnudas se cubren de pintura azul (IKB,International Klein Blue), y van impriminendo la huella de sus cuerpos sobre superficies blancas. De esta manera, Klein utiliza los cuerpos a modo de brocha viviente. 

Su interés en este tipo de obras, es tanto el resultado final como el proceso, y de esta forma hace que el público tenga el privilegio de ver todo el proceso de creación de su obra de arte. Además, a Klein le interesaba desvincular su mano directamente sobre la obra que producia, para tener una distancia mayor y poder dirigir y desenvolverse mejor con su obra. Con esta nueva concepción de pintura, Klein consigue distanciarse de la obra de arte, para ser testigo de su concepción y finalización. Esta voluntad de desvincularse de la obra directamente, también era por el interés que tenia en que las obras se representaran por la huella que habían dejado: la imagen de su ausencia. 

Una de las Antropometrías más conocidas es la que realizó con motivo de la inauguración de su nuevo piso de París; embadurnó a la modelo, en presencia de Restany, y siguiendo las indicaciones de Klein, la modelo imprimió su cuerpo cinco veces contra el papel colgado de la pared. Restany exclamó expontaneamente: "¡Estas son las antropometrías de la época azul!" Y así nació su nombre. 

La primera representación pública de las Antropometrías fue el 9 de Marzo de 1960, dentro de un contexto de performance, en la Galerie Internationale d´Art Contemporaine, mientras un grupo de cámara interpretaba la Sinfonía Monótona−Silencio (pieza creada por Klein, que consistia una sola nota de veinte minutos seguidos de otros tantos de silencio) Klein, vistido de esmoquin con corbata blanca y la Cruz de Malta de la Hermandad de San Sebastián, dirigía sus pinceles vivientes que presionaban sus cuerpos sobre los lienzos extendidos en la pared y en el suelo.

http://es.youtube.com/watch?v=gnCUYACM8F0

Performance "Límite"

El concepto "límite" lo abordo desde el punto de vista social, entendido como la privación de la libertad humana, tanto de pensamiento, como de actitud, de expresión... en cuanto a un sistema social ya preestablecido. En la actualidad, existe una estructura social muy marcada y muy pautada, limitada, y nos conceden libertad dentro de esos cánones sociales, y de esas estructuras preestablecidas. Por tanto nuestra libertad es totalmente limitada.

Reflexionando sobre este planteamiento de limitación social, llego a la conclusión de que los "límites" son una realidad creada por el ser humano, y no solo en estos límites sociales, cualquier tipo de límite, sea geográfico, político, de comportamiento, etc. Además, todos estos límites se han ido adaptando a las necesidades sociales a medida que ha ido avanzando y desarrollándose.

Por tanto, lo que quiero representar con este performance, es que esos límites son algo credo por nosotros mismos, y son totalmente modificables, aun que muy poca gente está dispuesta a modificarlos-romperlos, y a medida que la sociedad avanza y se desarrolla, estos límites se van adaptando al contexto, y como consecuencia la sociedad se adapta a esos límites impuestos.

El performance consiste en, con la participación de toda la gente posible, crear una fila humana, todos cogidos de las manos, creando un "limite humano" iniciándolo en la Macroplaza, en la bandera de frente al Antiguo Palacio de Gobierno. De esta manera se representa de manera obvia que los límites los creamos nosotros mismos. Además, como justificaba antes los límites van adaptándose al contexto social, en este caso, haciendo el paralelismo con el performance, la fila humana "limite" se va a tener que ir adaptando a todo el contexto del lugar donde se realiza, es decir, la gente que se incorpore a la fila, tendrá que ir adaptándose según los obstáculos que la fila encuentre en la ciudad.

Cartel y flyers de promoción del performance

y esto es el "performance"...

Formas de arte procesual II. El arte del cuerpo

En 1970, se prducen las primeras experiencias de arte corporal, simultáneamente en Europa y América.
François Pluchart a raiz del Mayo del 68 de París difunde el arte sociológico con la integración del cuerpo.

ANTECEDENTES
En el campo de la pintura y la escultura:
- Yves Klien, Piero Manzini
En Happening:
-Allan Kaprow, John Cage, Wolf Vostell
Acciones Fluxus
Literatura:
- Antonin Artaud, Georges Bataille
Teatro:
- Bertolt Brecha, Pierre Guyotat i Living Theatre (1951)

YVES KLEIN Niza 1928
Utiliza el cuerpo como receptor de energía espiritual.
Accion 1960
Se vistió de esmoquin con corbata blanca y la cruz de malta, interpretando la “sinfonía monótona”, compuesta por el. (20 minutos con una sola nota musical, y otros 20 minutos de silencio), mientras tres modelos desnudas pintaban con su cuerpo embadurnado de pintura azul, sobre papel en el suelo y pared.
El arte para el es salud, nos hace existir, y es la naturaleza del humano, es todo lo que somos.
Obsesionado por lo inmaterial, el vacio, y la levitación
Acción
“Salto al vacío” u “Obsesion de la levitación” 1960
Se lanzó al vacío desde lo alto de un muro en París, convirtiéndose en una escultura del vacío-nada. Gran impacto en el accionismo vienés, que trabajaban arriesgadamente con su cuerpo.

PIERO MANZONI 1934
Cualquier huella del ser humano podia tener valor artistico (huellas, sangre, mierda)
Merda d’artista: Vende su propia mierda, en latas de 30 gramos, al precio de la cotización del oro, cuestionando la mercantilización de la obra de arte.

ACCIONISMO VIENÉS
Reacción contra el expresionismo abstracto norteamericano, utilizando el cuerpo como soporte y material de la obra de arte, con acciones transgresoras, provocativas fetichistas, basadas en el psicoanalisis de S. Freíd, C. Jung, W.Reich, en rituales paganos y cristianos, fiestas populares carnavalescas, en el teatro futurista y dadaísta.

HERMAN NITSCH (1938 Viena)
Contrapone religión y sexualidad.
Influenciado por Arnulf Rainer, Pollock (action painting) y creó el “Teatro de las orgías y los misterios” donde hacia rituales donde crucificaba corderos destripados, manipulando sus entrañas y recogiendo su sangre en cubos, exaltando sus genitales, como medio de catarsis y regeneración, bañándose en sangre y retozando entre excrementos, haciendo referencia a las frustraciones humanes por culpa de los tabúes y las represiones sexuales

GÜNTER BRUS 1938
Prácticas radicales sadomasoquistas, acompañadas de dibujos y escritos de gran violencia expresiva.
Transgredir toda normal moral y estética, y convertir lo prohibido en arte, a través del exhibicionismo anal o la automutilación.

RUDOLF SCHWARZKOGLER 1940 Viena
Para el, el arte era el purgatorio de los sentidos. Utilzando su cuerpo, simulaba actos sexuales, agresiones fisicas, procesos de autocastración y travestismo.
Se suicidó arrojándose desde una ventana y la leyenda envolvió su muerte como su última acción.

ARNULF RAINER 1929
Se inició en arte por medio de la arquitetura.
En 1950 fundó el Hundsgruppe (Grupo del Perro)
Utiliza su cuerpo para indagar en su yo, a modo de introspección, basado en el psicoanálisis de Freud y el misticismo religioso.
Mediante una serie de fotografías, pretende liberar su subconsciente de toda censura e imposición.

LA TEORIA Y LOS TEORICOS DEL ARTE DEL CUERPO O BODY ART
Dos revistas paralelas en París y NYC, “arTitudes” y “Avalanche”, donde se teoriza sobre el arte del cuerpo y el Body Art, y se redactan los primeros manifiestos. El primer manifiesto se reconoce el cuerpo como eje fundamental de toda creación y aproximación artística.

El segundo manifiesto habla de un leguaje artístico basado en la reflexión y el pensamiento filosófico y en la que se diferencian cuatro etapas.
- Primera etapa: La liberación de lo bello
- Segunda etapa: Derivaciones del happening. Se incorpora en el arte el cuerpo humano mediante la acción y la participación.
- Tercera etapa: La acción corporal. Utilizan el cuerpo como material artístico.
- Cuarta etapa: Rechazo del exhibicionismo, el masoquismo y la sexualidad para encontrar un nuevo lenguaje expresivo que pueda funcionar en cualquier aspecto del arte, incluyendo el cuerpo.

Tercer manifiesto: El arte del cuerpo huye del interés decorativo o discursivo, y se fundamenta en la voluntad de perturbación y una clara y violenta reacción contra el stablishment: el responsable de la esclavización, mutilación y castración del ser humano.

LA REFLEXIÓN Y LA PRÁCTICA EN TORNO AL CUERPO EN ESTADOS UNIDOS.
El uso del cuerpo en el ámbito artístico, no se utiliza de la misma manera en Europa que en EEUU.
- Los europeos utilizaban su cuerpo como objeto, y presentaban sus creaciones a través de documentos estáticos, es decir fotografías. Influidos por los accionistas vieneses, en su actos corporales, daban prioridad al dramatismo, al masoquismo, y al sadomasoquismo.
- En cambio los norteamericanos, en cuanto a la representación de la obra, iban más alla e incluían en su obra conceptos tales como el tiempo, y la percepción y el comportamiento del espectador, utilizando el cuerpo como acción o performance. Sus creaciones se basaban mucho más en lo conceptual y minimalista.

Las características de los estadounidenses se concentran en
VITO ACCONCE NYC 1940.
Formado en literatura y poesía, abandona la escritura para empezar a trabajar con su cuerpo y el espacio, y a través de una cámara fotográfica para penetrar en el interior de su cuerpo, desde lo exterior a lo introspectivo.
Su cuerpo se convierte un lugar para intervenir, para experimentar todo tipo de sensaciones, y intensificar así su relación consigo mismo.
En una segunda etapa se basa en la idea de cambio y modificación.
Accion
Conversiones 1971. Filme de super 8 dividido en tres partes, en el que el artista cambia de sexo mediante sofisticados recursos multimedia.
Da una gran importancia al sonido en sus obras, más alla de la percepción sensitiva.
Considera el performance como la última manifestación del expresionismo abstracto de Pollock.

DENNIS OPPENHEIM
A partir de 1969 se inicia en el body art.
Utiliza el cuerpo (el suyo propio o el de otros) para activar experiencias de transmisión sensorial, sin olvidar el dolor y la vulnerabilidad del cuerpo.
Accion
“Posición de lectura para una quemadura de segundo grado” 1970. Se expone al sol durante 5 horas con un libro abierto sobre su tórax, quedando marcado por el sol quemando su cuerpo excepto la zona cubierta por el libro.

Más tarde se interesa por el intercambio de energía con miembros de su familia, ya que considera esta como su principal herramienta en su obra.
Posteriormente, deja de utilizar su cuerpo de manera directa y sustituye en sus performances por esculturas-marionetas sobre las cuales simula sus acciones corporales.

BRUCE NAUMAN
Realiza acciones corporales a partir de 1966, usando su cuerpo y registrándolo en foto y video.
Su obra se basa en la vinculación del gesto y la palabra.
Más tarde incluye el comportamiento del espectador en su obra haciendole recorrer los pasillos de sus instalaciones.
En una de sus obras, instala un monitor que funciona como un falso espejo electrónico, donde se mostraba al propio artista recorriendo el mismo lugar en que se encuentra ahora el espectador, buscando una implicación controlada de éste. De este modo consigue la participación sin la alteración de la obra, es decir, partiendo de la paradoja de que los participantes no pudieran participar.
En los 80 tiene un gran actividad en el terreno del video, representando la vulnerabilidad humana, y en el campo de la escultura-objeto.

CHRIS BURDEN Boston 1946
Basa sus acciones corporales en la transmisión de energía y en los conceptos de riesgo, peligro imprevisto y catástrofe, para denunciar injusticias y prohibiciones sociales, temas tales como guerras, o cuestiones ecológicas, etc.
Acciones
-“Pieza de taquilla para cinco días” 1971, permaneció encerrado durante 5 días en una taquilla (de 60 X 60 X 90 cm) de su universidad.
-“Shoot” 1971, el artista fue disparado con un arma en el brazo por uno de sus amigos a una distancia de 5 metros.
-“Preludio para 220 o 110” donde fue electrocutado introduciendo dos terminales conductoras en su tórax.

EL ARTE CORPORAL EN EUROPA
Gran influencia de los accionistas vieneses.
Inciden en aspectos de la vida individual y colectiva, el sufrimiento físico, practicas masoquistas y sadomasoquistas con raíces en la doctrina cristiana de la redención a través del dolor corporal.

Una de las obras paradigmáticas en la historia del arte corporal, es “Misa para un cuerpo” de M. Journiac en 1969.
En la galería Daniel Templon de París, ofreció a los asistentes su cuerpo, a través de la comunión de éstos, con hostias cocinadas con su propia sangre, repartiendo la receta a todos los asistentes que comulgaron, con la intención de explorar la soledad humana a través de la comunión/comunicación absoluta de los fieles del acto artístico.

Otra acción muy definitoria de su obra, fue “Homenaje a Freud, Constatación crítica de una mitología travestida” 1972, en la que critica a los seguidores de Freud, por racionalizar el psicoanálisis al convertirlo en un listado científico de enfermedades mentales, las cuales no existen, ya que son los hechos sociales, políticos y económicos los que hacen comportarse al individuo de una u otra manera.

A partir de 1973 busca implicar su obra en un contexto social, político y crítico, desembocando en un arte sociológico provocando en el espectador el cuestionarse sobre las relaciones sociales y sus estructuras.

GINA PANE
Su obra se basa en lo sagrado y el misticismo para descubrir las debilidades del cuerpo, utilizando la herida, entendida como apertura de su cuerpo para hacerlo accesible a los demás.
Acción
“Escalada no anestesiada” 1971
Es una protesta contra un mundo totalmente anestesiado, y a la vez denuncia el terror, la agresión, la violencia, la tortura y los peligros sociales que atenazan el mundo.
Sola en su estudio, asciende por una escalera sueca con manos y pies desnudos, hecha con planchas metálicas con pronunciadas aristas.

Sus obras se basan en martirizar su cuerpo y exhibirlo, con espinas de rosas, cristales rotos, con hojas de afeitar o ingiriendo gran cantidad de carne podrida.

URS LÜTHI Lucerna 1947.
Su utilización del cuerpo se contrapone a la de Gina Pane, el cual es considerado exhibicionista y esteticista, intentado poner en evidencia su carácter ambiguo en su personalidad, utilizando el travestismo cargado de significados perturbadores.

El travestismo, el maquillaje, las prácticas sadomasoquistas son puntos en común con otros artistas tales como Jurgen Klauke y sbretodo Klaus Rinde, que utiliza su cuerpo entendido como instrumento que puede proyectarse en conceptos como el tiempo y el movimiento.

LA FRONTERA DEL ARTE CORPORAL
Paralelamente a los creadores del arte corporal, surgen muchos artistas europeos que utilizan su cuerpo con fines artísticos como Gilger & George, haciendo esculturas vivientes ya en sus años de estudiantes. Tienden a tratar el cuerpo como imagen/objeto externa al yo, como dobles de ellos mismos, convertidos a esculturas.

También destacaron en las acciones a dúo, Marina Abramovic y Ulay, realizando performance en los que los contactos físicos y Psicológicos solo tienen la barrera del acto sexual.

Acciones
-“Relación en el espacio” 1976, durante 58 minutos los dos desnudos en un amplio salón vacío se tocan, se rozan, y se topan bruscamente.
-“Lo imponderable” 1977. Los dos desnudos uno frente al otro dejaban un hueco que obligaba a hacer pasar por el medio a toda la gente que entrara a la Galleria Comunale d’Art Moderna de Bolonia.
-“Con alineto/sin aliento” 1977. En el Centro de Estudiantes de Belgrado, los dos compartieron aliento, y respiración, pegados labio contra labio, durante 19 minutos hasta alcanzar casi la asfixia.

Su idea es que el artista no es un fabricante de objetos, si no un individuo activo de viajes ceremoniales hacia el territorio de la consciencia.
Empiezan a trabajar el concepto de supervivencia, y realizan una travesía por los desiertos australianos poniendo a prueba sus limites de la resistencia.

ORLAN
Artista francesa que se autoapoda Orlan, y se autocanonizó mas tarde como Santa Orlan.
El cuerpo puede transformarse y metamorfosearse tantas veces como lo podía ser un traje.
Acción
- “Nueva imagen, nueva(s) imágenes, o de la Reencarnación de Santa Orlan” 1990 Realiza una acción en la que se somete a una serie de operaciones de cirugía paraestética, que los espectadores podían seguir via satélite desde diversos museos de Europa y América.
Pretende esculpir su cuerpo con el ideal de belleza neoplatónico, y también esculpir su personalidad con la ayuda del psicoanálisis.

HANNA WILKE NYC 1940-1943
Su obra, se basa en cuestiones sociales, sobretodo feministas. Utiliza su cuerpo para mostrar como se ha sometido a la mujer en la historia en una sociedad patriarcal, usando el soporte fotográfico y video.
En la misma linea social feminista esta:

CAROLEE SCHNEEMANN Pensylvania 1939.
Conceptualmente no se aleja mucho de Piero Manzini en sentido de hacer de la carne material artístico.
Realiza un trabajo físico, visceral y conceptual.
Acción
“Diario de la menstruación” expone una serie de pañuelos manchados con la sangre de su menstruación.

"Touch the Sound. A Sound Journey with Evelyn Glennie". Thomas Riedelsheimer

"Touch the Sound. A Sound Journey with Evelyn Glennie", es el retrato de la virtuosa percusionista escocesa Evelyn Glennie, que padece de una profunda sordera desde los 12 años. E.G. ha tenido una existosa carrera en el mundo de la música, ha cosechado gran cantidad de exitos entre ellos un Grammy, ha compartido escenario con orquestas dirigidas por grandes maestro y ha partidicado con artistas como Kodo, Bela Fleck, Bjork, Bobby McFerrin, Sting, Kings Singers, Mormon Tabernacle Choir, Murray Perahia o Fred Frith.

El video documental retrata la forma en que convivimos con los sonidos de nuestro entorno, y como a casua de la discapacidad auditiva de E.G. ha desarrollado un sexto sentido, pudiendo asi ver, sentir y tocar el sonido a traves de las vibraciones. Durante el filme, comparte diferentes sesiones musicales con Fred Frith, improvisaciones sonoras increiblemente sensitivas en un antiguo galpón abandonado en Dormagen, que actua como una increible caja de resonancia. Aparte de tocar en lugares como ese, E.G aparece en lugares tan diferentes como la terraza de un gran edificio, o en un restaurante japones en Tokyo, donde hace una improvisación con los objetos habituales que podemos encontrar en un restaurante, unos palillos chinos, una lata, vasos, platos...

El documental me impactó y me sorprendió mucho, pues parece increible que alguien que padece de sordera tenga tanta sensibilidad auditiva. Me sorprendió mucho la manera de producir sonidos tan poco habituales, con cualquier objeto, o incluso usando insturmentos de una forma poco tradicional, como lo hace F.F. con unos palos y dos guitarras eléctricas. Realmente llegan a producir una diversidad muy grande de sonidos que jamás se podrian conseguir con instrumentos musicales, y por tanto son piezas muy ricas, con gran diversidad de timbres, tonos...

También me sorprendió mucho como actua y como se comporta E.G. cuando está tocando. Se percibe que esta sintiendo el sonido más allá de como lo podemos percibir cualquiera de nosotros, da la sensación de que está como en un momento totalmente sensitivo, casi de trance, sus movimientos van fluyendo harmonicamente con lo que siente, y con lo que se escucha, y crea una relación muy directa con el instrumento que está tocando.

De esta manera, el filme no solo tiene interés por lo sonoro, visualmente también es muy rica, por los espacios elegidos, los lugares, los instrumentos extraños o improvisados que utilizan... y sobretodo el ver como se relaciona E.G. con los instrumentos, como toca y como realmente siente el sonido.

http://es.youtube.com/watch?v=mNqa9sEPDhA
http://es.youtube.com/watch?v=yhgOZlRvZXs
http://es.youtube.com/watch?v=YjEmIEdHCP4